Die Charakteristik einer Region ist eine Art Hintergrundrauschen für das künstlerische Schaffen oder aber Basis von Werken, die auf strukturelle, politische oder kulturelle Eigenheiten reagieren.

Mit Blick auf die Dokumentarfotografie stellt sich für die Fotografinnen und Fotografen die Frage, wie sie sich vor dem Hintergrund einer verstärkt von Fotos geprägten Alltagsrealität positionieren?

Für Taiyo Onorato und Nico Krebs sind alle Fotografien Konstruktionen. Bereits durch die Auswahl des Ausschnitts, die Rahmung und die Intention des Bildautors verlieren Bilder für sie ihre Neutralität.

Was das Material betrifft, zeichnet sich eure Arbeit durch einen experimentellen und reflektierten Umgang mit dem Medium aus. Wie beeinflussen sich die Arbeitsmethode und das Motiv?

Die Titel deiner Werkgruppen und Publikationen wie Weiße Räume verlassen, Never Really There, Leaving Again oder a way verweisen auf ein Verschwinden aus dem Bild. Was bezweckst du mit dem Verlassen des Bildraums?

Jens Klein betrachtet Archive nicht als statische Entitäten, sondern als flexible Konstellationen. Für seine Arbeiten durchwandert er die Bildwelten der Vergangenheit. Die Codierungen und epistemologischen Zusammenhänge aus Archiven bilden zugleich Ausgangspunkt und Ziel seines künstlerischen Handelns.

Wenn dieser stumme Dialog in Fotografien fixiert wird, zeigt sich, wie im Sich-Anblicken und Posieren Vorstellungen des Selbst zur Aufführung gelangen.

In den Bildern verlieren die Begriffe ihre Festigkeit. Aus dem Text wird wortwörtlich ein Schriftbild, das instabil und vieldeutig ist, ohne unbestimmt zu sein.

Die analog-chemische oder digitale Basis des Mediums ermöglicht eine Vielzahl an Ausgabeformaten. Geprintet werden kann inzwischen auf so gut wie alle Materialien, in der Projektion sind Fotografien körperlos. Diese mediale Flexibilität macht Fotografien durchlässig für andere visuelle Ausdrucksformen und neue räumliche Dispositive.

Es verrät sehr viel über uns, vielleicht sogar mehr als über die abgebildete Person: Wenn eine Fotografie Empathie, Gleichgültigkeit oder Ablehnung auslöst, werden Porträts zu „Spiegelbildern oder Gegenbildern unserer selbst“.

Eure Arbeit wird im Verlauf der Ausstellung aktiviert und reaktiviert. Was passiert und wie wird sich die Wahrnehmung Eurer Arbeit verändern?

Mit Revolutionen gingen stets neue Bilder und Codes einher. Die Ikonen der alten Ordnung wurden vom Sockel gestoßen und die Bildnisse der zukünftigen Machthaber durch die Straßen und neuerdings durch digitale Kanäle getragen.

„nicht der schrift-, sondern der fotografie-unkundige wird der analfabet der zukunft sein“ –  László Moholy-Nagys vielzitierter Appell von 1928, Fotografien wie Buchstaben, Wörter und Sätze lesen und nutzen zu lernen, scheint ein unausgesprochenes Leitmotiv von Michael Schäfer zu sein.

Was ist der Unterschied zwischen dem Fotografieren am Rechner und dem Bildermachen vor Ort?

Diese Momente, an denen sich ein moment fugitif kristallisiert, verfolgen Moses und Kluge, um Zeitbilder zu kreieren. Sind es also die tatsächlichen Ereignisse, die von Künstlern eingefangen werden wollen? Moses und Kluge sind keine Dogmatiker und so bleibt dies lobenswerterweise ein Gedankenexperiment, das wir woanders weiterführen sollten.

In der Vielstimmigkeit ist es ein sehens- und lesenswertes Buch, weil es das Wesen von Überwachung am Beispiel einer Person aus gegensätzlichen Perspektiven ausleuchtet. Dabei entsteht zuweilen ein dunstiges Bild der Ereignisse und es wird deutlich, dass Protokolle und Fotografien stets lückenhafte Interpretationen sind.

Johanna Diehl nutzt solche Signifikationscodes, indem sie historische und zeitgenössische Fundstücke kontrastiert und durch Ausschnitte und bewusste Auslassungen ein Vakuum erzeugt, das die Betrachter in ihre Fotografien hineinzieht.

Die Fotografie jedoch nur als Sehhilfe der Forscher zu bezeichnen, wäre zu kurz gegriffen. Ihre Rolle ist ebenso vielgestaltig wie der Einfluss, den die Wissenschaft ihrerseits auf die Fotografie ausübt.

Science Fiction oder Wissenschaft? Markus Krottendorfer macht Diashows mit Infrarotfilmen, bei denen diese Unterscheidung schwer fällt.

Er wäscht das Silber in den analogen Abzügen mit neusten Mitteln chemischer Prozessierung aus und ersetzt es im Fall der Wüstenbilder mit den Farbpartikeln aus mitgenommenen Sandkörnern.

Man kann beim Betrachten fast das leise Klacken des Schrots oder das brausende Rauschen der Raketen hören.

Aufregend ist, wenn eine Qualle durch das Bild schwimmt oder ein Fuchs an der Kamera vorbeitappt – sonst passiert für die Augen Nichteingeweihter eher wenig.

Nach der Fixierung oxidieren die Bilder langsam weiter – abhängig von ihrem Umgebungslicht mehr oder weniger schnell – und thematisieren dadurch eine weitere der Grundvoraussetzungen von Fotografie: das Licht.

Seine Arbeiten rücken diese Standardisierungen ins Zentrum – ein digital gerenderter Graukeil ist eine Hommage an den im 19. Jahrhundert mit Gelatine und Tinte hergestellten Keil.

Die Perfektion der digitalen Fotografie dekonstruiert Adrian Sauer mit Postern, auf denen 1,5 x1,5 mm grosse schwarze und weisse Quadrate abgebildet sind.

Was poetisch anmutet, ist Ergebnis eines genau kalkulierten Experiments: Das Fotografieren von verbranntem Rauchpulver durchzieht ihre Bilder mit einem weissen Nebel.

In der Weimarer Republik bot sich mit der Fotografie ein neues Berufsfeld, das noch nicht vollständig von Männern besetzt war.

Überspitzt könnte man ein solches Vermessen der Räume mit einer Kamera als eine akribische Dokumentation bezeichnen. Wie viel subjektive Wahrnehmung steckt in den Installationen?